THE AXALON

"In blackest night..."

2011-08-16T14:22:00.000-07:00

Green Lantern

****

Dirección: Martin Campbell

Guión: Greg Berlanti, Michael Green, Marc Guggenheim, Michael Goldenberg
Actuación: Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Saarsgard, Mark Strong
Fotografía: Dion Beebe
Música: James Newton Howard
Producción: Greg Berlanti, Donald De Line, Herb Gains, Andrew Haas, Geoff Johns
País: Estados Unidos
Año: 2011

Con la reciente llegada de la nueva película basada en un superhéroe de DC Comics, entre sus malos resultados en taquilla y tantos bombazos de Marvel, ví la necesidad de entrar al quite. Antes que nada, me debo confesar seguidor de las aventuras de Hal Jordan y demás integrantes del los Green Lantern Corps. Podría parecer que esto influyó en mi decisión para calificar la película, y sí... pero no. Como buen fan, es mi deber verla como lo que es: una adaptación a una serie de cómics que por alguna (notable) razón no ha llegado a ser tan popular como Superman, Batman o incluso Flash. La crítica no ha sido benevolente con Green Lantern, que resulta ser de muy buena calidad, pero en cierta manera se nota el por qué.

Hal Jordan (Reynolds) es un piloto de pruebas que trabaja para la industria aeronáutica de Carl Ferris (Jay O. Sanders) caraterizado por ser testarudo, impulsivo, despreocupado y muy temerario. Una noche recibe una oportunidad única: es elegido por un extraterrestre moribundo de nombre Abin Sur (Temuera Morrison) y su misterioso anillo para sucederlo y formar parte de la organización de guardianes espaciales conocidos como los Green Lantern Corps. Jordan deberá ayudar a los Corps a enfrentar la amenaza del poder del miedo universal encarnado en el monstruoso Parallax, pero también intentará detener al perturbado Dr. Hector Hammond (Sarsgaard) y no destruir los lazos que le unen a su más que amiga e hija de su jefe, Carol Ferris (Lively).

A primera instancia tenemos una trama que promete mucho: un protagonista que recibe una oportunidad única para mejorar, una bella chica a quién cuidar y dos poderosos villanos que derrotar. El problema que ha encontrado la mayoría de los críticos es el contexto en el que se desarrolla. Jordan llega al planeta de los Corps, Oa, para ser instruído por el tipo-pez-ave Tomar-Re (Geoffrey Rush), el tipo-cerdo-piedra Kilowog (Michael Clarke Duncan), el humanoide-rojo-con-cefalitis Sinestro (Mark Strong) y un puñado de pequeños seres azules cabezones conocidos como los Guardianes del Universo. Aquí es en donde empieza el conflicto y la historia se vuelve más una cinta para niños o para ñoños a gran escala que para el público general. Pero no es el problema de la película, sino de la serie de Green Lantern en general. Si agregamos que el anillo recibe su poder verde de la energía de la voluntad existente en el universo y que éste debe ser más poderoso que el poder amarillo del miedo, al final habremos perdido millones en audiencia.

Sin embargo, y es un gran SIN EMBARGO, Green Lantern conserva la escencia de lo que es. Por supuesto que hay cambios que la diferencian de los cómics, pero resultan irrelevantes si tomamos en cuenta que todos los conceptos que constituyen la escencia de las historietas están prácticmente intactos. Un gran número de conocidos Corps tienen su aparición en la cinta, los personajes cercanos al protagonista cumplen con su función original, incluso se agregó un personaje a la trama que ayuda a comprender el sufrimiento de Hector Hammond: su padre (Tim Robbins).

Martin Campbell fue el elegido para dirigir este filme. Su decisión de escoger a Reynolds es acertada, pues éste hace un buen trabajo, sin sobresalir, y comprende muy bien al personaje, además de ser físicamente muy parecido. En sí, la labor actoral no exije demasiado, pues es una película más visual que de contenido; sin embargo, la labor de Cambell y del resto del cast es positiva. Incluso Geoffrey Rush, quien pareciera no tener nada que hacer en esta cinta, le da a Tomar-Re mucha vida y conserva aquella persoanlidad de propiedad por la que se le conoce. Tal vez se ven poco aprovechados el papel de éste, Kilowog y del inseparable amigo de Hal, Tom Kalmaku (Taika Watiti), pero cumplen sus funciones necesarias teniendo en cuenta cómo se desarrolla la trama. Más que eso, podría haber sido un regalo, aunque uno muy bueno. Sin duda, el más sobresaliente de todos es Peter Sarasgard, quien logra transmitir a la perfección la locura y obsesión de Hector Hammond desde su físico demacrado hasta su progresiva insaneidad por la búsqueda de poder, notoriedad y una vida distinta a la que ha llevado, lo cual nos hace recordar perfectamente al original de las historietas.

Es notorio que Campbell (como ya nos tiene acostumbrados) y su equipo estudiaron a profundidad los sucesos en la historia de Green Lantern, pues hay muchas referencias de ellos, desde un pequeño señalamiento en dirección a Central City (hogar de otro gran amigo de Jordan, Barry Allen a.k.a. Flash), el símbolo de StarSapphire, hasta la aparición de la posteriormente antiheroina Amanda Waller... De hecho, el guión fue basado en la serie de cómics Green Lantern: Secret Origin, la cual sirve como base para los sucesos de una de las mejores y más famosas historias de la saga: Blackest Night. Una excelente elección para contar el inicio de todo y prepararnos para lo que podría venir en un futuro. Por cierto, este es otro punto fuerte pues, como todos sabemos, Sinestro es uno de los grandes enemigos de Hal Jordan y aquí se muestra en sus tiempos como Green Lantern y mentor del humano. Indudablemente, algo nos quieren decir con eso...

Hablando de guión, Michael Goldenberg (Harry Potter y la Órden del Fénix; Yates, 2007) fue el encargado de concretar el que ya había sido planteado por Greg Berlanti (creador de la serie Everwood) junto con los escritores de cómics Michael Green y Marc Guggenheim. Berlanti había sido contratado como director y co-escritor, pero abandonó el proyecto para dedicarse a otro, This Is Where I Leave You. Había ya conseguido a Green y Guggenheim, pero su declinación terminó por quitarlos a ellos también. De cualquier forma, se respetó la idea original, Berlanti quedó como productor, los tres como co-escritores y Goldenberg terminó de escribirlo. A esto hay que agregarle que Geoff Johns, famoso escritor de numerosos comics de Green Lantern, fungió como consultor creativo. No había forma en la que el producto terminara alejándose de sus raíces... y efectivamente, no lo hizo.

El famoso James Newton Howard (colaborador con Hans Zimmer en las Batman de Chris Nolan) en es el encargado de musicalizar la cinta, dando un trabajo bien realizado a secas; nos ayuda a llevar la historia, pero no aporta nada más. El trabajo complicado fue para el equipo de efectos especiales y para el fotógrafo Dion Beebe, pues una gran parte de la película se desarrolla en lugares complicados o inexistentes, como el espacio y el planeta Oa. Los obstaculos fueron superados y dieron un impresionante despliegue de escenarios fantásticos. Hay que agregarle el hecho de que la película, a pesar de no haber sido rodada en 3D, aprovecha sus numerosos efectos (y su retraso en la fecha de finalización) para ofrecernos un espectáculo que, como pocos, realmente vale la pena apreciar.

Es notable el esfuerzo que se puso en Green Lantern, se siente una cinta hecha para fans. Por supuesto que habrá muchos retractores puristas, pero la realidad es que va muy de la mano con el cambiante mundo de DC. La taquilla le ha mandado un mensaje a Campbell y a la Warner, diciéndoles que quizá no es un producto totalmente comercial y que deberían de pensar en un reebot (las tendencias actuales se inclinan por repetir un proyecto en vez de abandonarlo, como es el caso de Hulk). En esta ocasión, desearía que hagan caso a los seguidores del "hombre sin miedo" de DC para continuar con está historia que podría desembocar en suceso mucho mayores, no sólo para los Corps, sino para el universo DC en general.

Green Lantern es una historia de superación, de volverse una persona mejor, de la lucha constante entre la voluntad que nos hace avanzar y el miedo que nos retrocede. Una historia que cualquier humano disfrutaría y reflexionaría, aderezada con situaciones puras de Ciencia Ficción y una enorme mitología que falta por explorar. Lamentablemente, no a todos les gusta el aderezo en su ensalada. Sin duda, una de las mejores adaptaciones superhéroes de cómics al cine. Táchenme de loco.

Para finalizar, si ya has visto la película, selecciona el texto de abajo para leer la reflexión sobre el gran spoiler final.

¿Soy el único que está viendo venir Sinestro Corps, Blackest Night e incluso una muy a futuro Justice League of America?

¡Magazo!

2011-07-20T17:09:00.000-07:00

Es increíble que hayan pasado ya 10 años desde que asistimos a ver la primera entrega de la saga de Harry Potter, creación de la escritora británica J. K. Rowling. Los libros eran ya conocidos por el público infantil desde tiempo atrás, pero el boom de la "Pottermanía" llegó con el estreno de Harry Potter y la Piedra Filosofal en 2001. Chris Columbus, director estadonudense de exitosas cintas como Mi Pobre Angelito (1990) y Papá por Siempre (1993), fue el encargado de dar vida a la adaptación del libro homónimo publicado en 1997. Con un guión de Steve Kloves, quien antes había trabajado en Wonder Boys (Hanson, 2000) adaptando la novela original de Michael Chabon, una de las más nuevas aportaciones al mundo de la literatura fantástica sería por fin apreciada en la pantalla grande por millones de espectadores. A continuación narro lo que ha acontecido durante todo ese tiempo.

Quizá uno de los papeles más solicitados y con más espectativa en todo el mundo sería el del niño mago protagonista de la saga, aquel que al cumplir los 11 años le es revelada su naturaleza de hechicero y es enviado (contra los deseos de sus egoistas y malvados tíos) a comenzar sus estudios en el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería. El entonces pequeño y no muy conocido Daniel Radcliffe fue el elegido para interpretar a... "el elegido". Los acompañarían Rupert Grint y Emma Watson como los amigos inseparables de Harry, Ron Weasley y Hermionie Granger. Al elenco se añadirían nombres como Robbie Coltrane (el gigante Rubeus Hagrid), Dama Maggie Smith (la profesora Minerva McGonagall), Richard Griffiths (el envidioso tío Vernon Dursley), Alan Rickman (el misterioso profesor Severus Snape), Fiona Shaw (la molesta tía Petunia Dursley) y el legendario actor Richard Harris (el anciano y sabio director de Hogwarts, Albus Dumbledore).

Debido al éxito de la primera película, la secuela fue preparada de inmediato. De nuevo se le designó a Columbus la dirección, Kloves volvió como guionista y el reparto permaneció intacto. Harry Potter y la Cámara de los Secretos (2002) fue también un éxito, pero las críticas no le favoriecieron del todo, sobre todo la de los fans. Para darle un nuevo rumbo a la saga, Columbus contiúa como productor pero deja la silla de director vacía para la siguiente película. Consideró a Marc Forster como su reemplazo, pero declinó para dedicarse a Decubriendo el País de Nunca Jamás. Al ser un filme de fantasía, el director mexicano Guillermo del Toro fue considerado dada su vasta experiencia en el tema. Del Toro declinó para dedicarse al rodaje de Hellboy, pero recomendó ampliamente a su amigo y compatriota Alfonso Cuarón. Después de ver La Princesita (1994), Columbus no dudó, lo contactó de inmediato y el realizador aceptó. Un cierto alivio se respiraba en el ambiente, pero ese no era el único problema que se afrontó en la transición.

Poco después de la premiere de la segunda cinta, Richard Harris falleció a sus 72 años. Una triste pérdida para el mundo del cine en general, y para la saga en particular. La carrera por encontrar al nuevo Dumbledore comenzó. Los nombres de Ian McKellen, Christopher Lee y Peter O'Toole (el candidato favorito de la familia de Harris) pasaron por la mente de los creativos (que en ese momento no se vieron tan creativos...), pero fue finalmente el británico Sir Michael Gambon el que entraría al relevo. Gambon le dio un giro al personaje; mientras el Dumbledore de Harris era pacífico y tierno, el de Gambon era duro y apasionado. Eso sí, ninguno de los dos dejó de ser el intrigante e inteligente guía del ya no tan pequeño Harry.

Harry Potter y el Prisionero de Azkaban (2004) volvió a ser el éxito esperado, fue catalogada como la mejor película de las tres por parte de la crítica pero la adaptación más vaga por los fans. Antes de su estreno y sin saber lo anterior, a Cuarón le fue ofrecida la siguiente historia, pero la pronta fecha de filmación se empalmó con los toques finales de la postproducción de la anterior y tuvo que declinar. Mike Newell tomó entonces las riendas, siendo curiosamente el primer británico en dirigir una de las cintas. En Harry Potter y el Cáliz de Fuego (2005), aparecería por primera vez el villano de la saga en su forma real. Ya antes había sido interpretado por Richard Bremmer y Christian Coulson, en una forma de espíritu en Piedra Filosofal y como Tom Riddle (su identidad original) en Cámara Secreta respectivamente. A Ralph Fiennes le fue asignada la tarea de encarnar a Lord Voldemort, quien juró venganza sobre Harry, tras haberlo derrotado misteriosamente muchos años atrás siendo apenas un bebé, cuando este trató de eliminar a toda la familia Potter. Contrario a la voluntad de los estudios, Newell decidió filmar la película en una sola parte (convencido por el propio Cuarón) en lugar de dos separadas debido a la longitud del libro. Los fans consideran estas últimas dos películas como las menos apegadas a la historia original. De cualquier forma, la aceptación fue muy elevada.

Rumbo a la nueva cinta, Harry Potter y la Órden del Fenix (2007), David Yates fue designado como nuevo director. No solo eso, sino que Steve Kloves no escribiría el guión por primera vez y sería relevado por Michael Goldenberg, escritor de la adaptación de Peter Pan (Hogan, 2003). A partir de aquí, la saga se torna cada vez más oscura. Posteriormente, Kloves regresa para escribir la siguiente parte, Harry Potter y el Príncipe Mestizo (2009). Es en este punto cuando los estudios Warner Brothers deciden que la última película sería dividida en dos partes. Ante el sufrimiento de los fans, se estrena Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, Parte 1 en 2010 y la parte 2 en 2011. Yates y Kloves no dejaron sus lugares.

Es una muy larga crónica, no es fácil resumir lo que ha sucedido durante la evolución de la saga en la producción de ocho cintas durante 10 años. Los pequeños Radcliffe, Grint y Watson dejaron la infancia, pasaron la pubertad, sufrieron la adolescencia y llegaron a la mayoría de edad junto con sus respectivos personajes, lo cual no es nada fácil en el mundo de la actuación. Fue dirigida por 4 realizadores distintos, de 3 nacionalidades diferentes. Dos guionistas se encargaron de adaptar los libros de cientos de páginas a un libreto de unas 120. Fue fotografiada por 6 directores de fotografía no consecutivos (a excepción de las últimas 2, que realmente son 1): John Seale, Roger Pratt, Michael Seresin, de nuevo Pratt, Slawomir Idziack, Bruno Delbonnel y Eduardo Serra. Incluso la música sufrió muchos cambios, pues el multiganador del Óscar, John Williams, realizó el soundtrack de las tres primeras y fue precedido (debido a su compromiso con Memorias de una Geisha en 2005) por Patrick Doyle, Nicholas Hooper dos veces seguidas, y Alexandre Desplat.

Columbus se considera más un narrador que un artista, mientras que ve a Cuarón como lo contrario, y tiene mucha razón. A partir de Azkaban, el estilo de la saga se vuelve menos cotidiano. Cuarón le imprime un estilo artístico lleno de simblismos, más vagamente adaptado al libro pero con un estudio de personajes interesante y cambios significativos en pantalla; después de todo, su cinta abarcaría el paso de la pubertad a la adolescencia de los protagonistas, y quién mejor que aquel responsable de la perturbadora Y Tu Mamá También (2001). Newell le aportaría el estilo característico del cine inglés a la narrativa, un estilo serio y sobrio (hasta donde se entiende "sobrio" en una superproducción de millones de dólares). En cuanto a Yates, la escena inicial de su primera película, en la que vemos a Potter y a su primo Dudley escapar de unos mortífagos, evidencian que traería consigo un toque de cine independiente, con tomas agitadas, silenciosas y que se centran únicamente en la acción del momento. Una selección de directores muy atinada, si tenemos en cuenta que la narrativa debe cambiar desde introducción de personajes y situaciones (Columbus), madurez de personalidades (Cuarón), transición hacia la tragedia (Newell, tal vez el menos acertado, sin quitarle su gran calidad) y oscuridad (Yates).

Con cada historia, hemos disfrutado de personajes distintos, ya sean villanos o aliados. El profesor Quirinus Quirrell y Draco Malfoy en Piedra; Gilderoy Lockhart y Lucius Malfoy en Cámara; Sirius Black, Remus Lupin, Peter Pettigrew y Sybil Trelawney en Azkaban; Alastor Moody y Barty Crouch Jr. en Cáliz; Bellatrix Lestrange y Dolores Umbridge en Órden; Horace Slughorn y Luna Lovegood en Píncipe; y Rufus Scrimgeour en Reliquias. Cada uno de estos personajes nos permitieron ver en pantalla a los respectivos y respetados actores Ian Hart (Sir Arthur Conan Doyle en Desubriendo el País de Nunca Jamás), Tom Felton (el pequeño Louis Leonowens en Ana y el Rey), Kenneth Branagh (director de Thor), Jason Isaacs (el capitán Garfio en Peter Pan), Gary Oldman (el Drácula de Francis Ford Coppola), David Thewlis (el gran amigo de Brad Pitt en Siete Años en el Tibet), Timothy Spall (Nathaniel en Encantada), Emma Thompson (Elinor Dashwood en Sensatez y Sentimientos, en la que también fue guionista), Brendan Gleeson (John C. McCloy en Misión Imposible II), David Tennant (el mismísimo 10mo. Doctor en Doctor Who), Helena Bonham Carter (la Reina de Corazones en Alicia en el País de las Maravillas), Imelda Staunton (Vera Drake en El Secreto de Vera Drake), Jim Broadbent (el profesor Kirke en Las Crónicas de Narnia), Evanna Lynch (lleva 4 películas, todas de Harry Potter) y Bill Nighy (Davy Jones en Piratas del Caribe).

Siempre es difícil realizar una adaptación de un libro al cine, pues los lectores fieles casi nunca estarán conformes con el resultado y los anti-lectura presumiran de ya saber de qué trata la historia sin haber leído el original cuando realmente no conocen todos los detalles. Pero debemos tener en mente que no se trata más que de eso, una adaptación. El concepto de adaptación recae en el hecho de tener que "traducir" un producto comunicativo de un medio a otro, y los recursos no son los mismos. Personalmente nunca he leído un libro de Harry Potter, pero recibo los comentarios de amigos que ya lo han hecho y han visto las películas. Hay algunas mejores adaptadas que otras, hay fans más fáciles de convencer que otros. Eso es normal en cualquier situación de adaptaciones. Desde el punto de vista cinematográfico, que es el que nos incumbe por el momento, podríamos resumir que las ocho películas han sido de un alto nivel. Es sabido que Cámara es la más floja de todas, es pesada y repetitiva, pero bien contada. El debate por la mejor de la saga sigue a la fecha y tal vez nunca tengamos un ganador, pero realmente es cuestión de perspectiva. Lo que podemos afirmar es que el conjunto de estas ocho cintas (que por una decisión creativa y mercadológica pudieron haber sido 7) fueron evolucionando, adaptándose a los nuevos tiempos y dieron como resultado una historia que no se desgastó con el tiempo, como ha pasado con otras como Las Crónicas de Narnia.

Decirle adios a Harry Potter es difícil, pues mantuvo a muchas generaciones pendientes de lo que iba a pasar con el joven hechicero y sus amigos. El mundo lo hizo ya una vez con la publicación del último libro en 2007, ahora despedimos las películas. Es un final muy digno, aunque con sus fallas. Mientras que Reliquias parte 1 carece de un verdadero climax (el cual se encuentra en la siguiente película), en la parte 2 lo épico opaca lo humano y perdemos enfoque en lo que sucede dentro de los personajes. No obstante, las 8 cintas merecen un lugar muy respetable dentro de la historia del séptimo arte.

Travesura realizada.

Dimensionalmente trascendental

2011-04-25T19:20:00.000-07:00

Doctor Who

****1/2

Hoy dejamos (por ahora) el grandioso tema que es Natalie Portman y entramos en otro excelente, además de poco explorado en nuestro país, el resto de la comunidad latina e incluso hasta de casi todo el mundo, excepto por Gran Bretaña y Estados Unidos. No es que sea un tema inexistente en cualquier otro lugar, sino que las diferencias culturales no le permiten la entrada triunfal a este excelente producto de la televisión inglesa, por su alto contenido de referencias locales y situaciones muy británicas. Así es, no se trata de una película en esta ocasión. Estamos hablando de la serie de Ciencia Ficción más longeva de la historia: Doctor Who.

¿Doctor quién? ¡Exacto! A menos que seas un geek hecho y derecho, seguramente nunca has oído hablar de esta serie... o tal vez sí. Probablemente hayas visto una que otra referencia en otros programas de la TV, en películas, comics, etc. Al hablar de Doctor Who estamos abarcando un ícono de la cultura británica, del mismo calibre que los autobuses rojos, los soldados de sombreros altos, el palacio de Buckinham o Mr. Bean. Surge de las mesas creativas de la BBC en la década de 1960. Originalmente se trataría de un programa educativo, pero su configuración permitió desarrollarlo como una serie de Ciencia Ficción, aprovechando el boom de la carrera espacial.

Cuenta la historia de un hombre misterioso conocido simplemente como el Doctor, quien viaja en su nave a través del tiempo y del espacio. Hasta aquí estamos contando el trasfondo de Back to the Future (Zemekis, 1985), pero falta especificar algunos detalles. El Doctor no es lo que aparenta, y tampoco su nave. El Doctor es un Señor del Tiempo (Time Lord), una raza extraterrestre proveniente del planeta Gallifrey en la constelación de Kasterborous. Su nave "especial" es una pequeña y antigua cabina de policía, pero al entrar en ella nos toparemos con un interior inmenso, lo que él mismo explica como "dimensionalmente trascendental", es decir, más grande en el interior. La explicación es algo más compleja, pero no nos estanquemos en ella. En realidad es una nave que puede disfrazarse de lo que sea para confundirse con el ambiente del lugar en el que esté gracias a un circuito camaleónico, pero el de la TARDIS (nombre de la nave, significa "Time And Relative Dimensions In Space") se dañó en los sesentas y ha conservado su forma exterior desde entonces. Frecuentemente viaja con un acompañante, por lo general una mujer.

El programa comenzó a transmitirse en la televisión británica en 1963, con el actor William Hartnell como el Doctor, y Carole Ann Ford como su nieta Susan. En ese entonces, el Doctor era un viejo de unos 400 o 500 años. La serie tuvo un éxito tremendo al mostrar las aventuras que vivía el Doctor, su nieta y uno que otro acompañante más viajando al pasado, al futuro, al espacio, y luchando contra los más temibles villanos como los Cybermen o los Daleks, que son los más representativos de todos sus antagónicos. Durante la serie, el Doctor debió despedirse de algunos de sus acompañantes (y de su nieta) y reclutar a otros nuevos, dándole un ciclo nuevo a la serie cada cierto tiempo. Los acompañantes sirven a la narrativa como un personaje con el cual el público se puede identificar e ir comprendiendo el desarrollo de las tramas. En 1966, tres años después de su estreno, Hartnell anuncia su salida del programa, por lo que los escritores tuvieron que ingeniarse una nueva faceta del Doctor: cuando está próximo a morir, es capaz de convertir cada célula de su cuerpo en una totalmente nueva y regenerarse por completo en una persona distinta para evitar su deceso. Es así como justifican la llegada de un nuevo Doctor, Patrick Troughton. Esto también les permite refrescar la serie para darle una nueva dirección.

Posterior a Troughton, le siguieron Jon Pertwee desde 1970, Tom Baker a partir de 1974, Peter Davison en 1981, Colin Baker en 1984 y Sylvester McCoy en 1987. Durante el transcurso de la serie, hubieron distintos acompañantes como Jamie McCrimmon, Nyssa, Tegan, Ace, Romana, Peri, el perro robótico K-9, el Jefe de Brigada Lethbridge-Stewart y Sarah Jane Smith (interpretada por Elisabeth Sladen, quien falleció hace unos días). También se incluyeron episodios donde se encontraban tres o hasta cinco Doctores diferentes en la misma aventura. Lamentablemente la serie fue cancelada en 1989, pero la productora Fox en asociación con Universal Studios y la BBC en Estados Unidos la trataron de revivir siete años más tarde comenzando con una película para televisión en 1996. Ahí tendría su aparición Paul McGann como la 8va. encarnación del Doctor. La película no tuvo el éxito requerido y la serie no fue producida.

El fenómeno de Doctor Who se mantuvo latente en comics, libros y hasta audiohistorias que continuaban con las aventuras de los antiguos Doctores, incluído McGann, quien de hecho es el Doctor con mayor cantidad de audiohistorias. Finalmente, el productor y guionista Russell T Davis revivie la serie de nuevo en 2005, con Christopher Eccleston como el nuevo Doctor, ahora de 900 años. La expectativa y calidad de la primera temporada alcanzaron un éxito rotundo. La sorpresiva salida de Eccleston de la serie en su primera temporada generó dudas respecto a su futuro, pero fue sucedido brillantemente por el escocés David Tennant, quien hasta ahora ostenta el título del Doctor más popular a la fecha, o por lo menos muy cercano a lo que fue Tom Baker con sus 7 años de estelar. Inminentemente, Tennant dice adios a la serie el primer día de 2010, pero le da la bienvenida al joven Matt Smith para encarnar a la 11va. y actual personificación del Doctor.

Esta es sólo la historia a grandes rasgos de lo que ha sucedido CON la serie, aún faltarían muchos detalles que aclarar e ir contextualizando lo que ocurre EN la serie. En algúna ocasión resolvió un crimen con Agatha Christie, viajó al día en que la Tierra es consumida por el Sol, ha combatido contra un mosntruo que sólo podía ser visto por la escandalosa mente de Vincent van Gogh, incluso salvó a Gran Bretaña de haber sido aplastada por un Titanic espacial (literalmente). Sin embargo, eso es más divertido cuando lo ve uno mismo. La creatividad de los escritores nos han brindado cantidad de historias, monstruos, personajes, situaciones, herramientas y demás aspectos que hacen de la serie algo muy fuera de lo que estamos acostumbrados. El Doctor no es cualquier héroe. Ha tomado buenas decisiones, otras malas, otras muy malas. Se mete en problemas cada vez que tiene la oportunidad. Su combate contra la maldad lo lleva a cabo sólo con su gran intelecto y su "destornillador sónico". Ha salvado a la humanidad de innumerables cantidades de peligros sin siquiera tener la necesidad de disparar una bala. Ese es uno de los "fuertes más fuertes" del concepto de la serie.

De origen, Doctor Who siempre se ha dirigido a un público infantil, pero sus brillantes ocurrencias han hecho que sea disfrutada por chicos, grandes y muy grandes. Mientras los abuelos pueden hablar sobre William Hartnell y Patrick Troughton, los padres hablarían de Tom Baker o de Peter Davison y los hijos de David Tennant y Matt Smith. Es una serie que rompe las barreras del tiempo. Además, su manufactura es de alta calidad. Hay que tener en cuenta que es una serie de TV y no se manejan los mismos presupuestos que una película, pero la BBC hace un buen trabajo con los recursos que tiene a la mano para darle vida a un producto difícil de hacer. En sus historias han aparecido gente como Michael Gough, Kyle Minouge, Michael Gambon, Mark Gatiss y Bill Nighy. También han participado guinositas como los geniales Davies y Gatiss, Steven Moffat (Coupling), Richard Curtis (Love Actually) y hasta de Neil Gaiman (autor de novelas gráficas como Stardust), aunque su capítulo apenas será transmitido dentro de unas semanas en la nueva temporada.

Nuestra sociedad está acostumbrada a vivir historias de realidad, crueza, morbo, sexualidad, crimen y violencia en mayor cantidad que cualquier otro tema. El género de Ciencia Ficción difícilmente tiene lugar en ella. Pero a veces, la cabeza necesita de un pequeño descanso en ese sentido. Necesita distraerse y enfocarse en cosas distintas, incluso que le haga abrir los ojos hacia otras realidades. Doctor Who no es algo sencillo de digerir, pues a veces sus historias son enredadas aunque bien construídas y solemos no creernos lo que vemos que ocurre en ella, por lo mismo mencionado anteriormente. Es cosa de darle una pequeña oportunidad y abrirse a este nuevo mundo con historias humanas, divertidas, increíbles, interesantes, trágicas... Si están cansados de las mismas sitcoms, programas bobos, noticieros amarillistas y demás corrupciones mental-televisivas, aborden la TARDIS y acompañen al Doctor en el que podría ser el viaje de sus vidas.

P.S. Doctor Who no es transmitido en México, BBC Entertainment lo removió de su barra de programación, posiblmente en consideración de incluír nuevas temporadas. La serie clásica (1963-1989) se puede descargar de torrents, así como la película de 1996 y los especiales intermedios entre las nuevas temporadas. La serie nueva (2005- ) se puede ver en Cuevana hasta su capítulo más reciente, The Imposible Astronaut, con la que da inicio la temporada 6. NO DIGO QUE LAS DESCARGUEN, se pueden comprar los DVDs por internet. Pero a veces las complicaciones mercantiles y culturales nos orillan a tomar "medidas drásticas"...

Obsesión por la perfección

2011-04-12T14:02:00.000-07:00

"Black Swan"

*****

Dirección: Darren Aronofsky
Guión: Mark Heyman, Andres Heinz, John McLaughlin
Actuación: Natalie Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis, Barbara Hershey
Fotografía: Matthew Libatique
Música: Clint Mansell
Producción: Jon Avnet, Brad Fischer, Scott Franklin, Jerry Fruchtman, Peter Fruchtman, Rose Garnett, Ari Handel, Mike Medavoy, Arnold Messer, Brian Oliver, Joseph P. Reidy, Jennifer Roth, Rick Schwartz, Tyler Thompson, David Thwaites
País: Estados Unidos
Año: 2010

Cuando se trata de criticar una película, no necesariamente significa que habrá que decir si es buena o es mala; más bien se refiere a tomarla y analizarla por lo que es. Hay algunas que trataron de seguir una línea y se perdieron en el camino, otras que son tan inflexiblemente formuladas que resultan predecibles y aburridas. Nunca podremos tener un 100% de acuerdo para definir si una película está bien hecha o no; siempre habrá detractores y amantes que choquen en opiniones. Sin embargo, llegan a haber casos muy concretos en los que el 95% de la gente concuerde, porque la obra analizada sigue cierto cosmos: es innovadora pero no arriesga, es atractiva pero no exagera. Black Swan vino con un gran reto, quebró moldes, deshizo fórmulas, mezcló géneros... Ciertas cosas que no son bien sintetizadas en la mente de la audiencia general. ¿Estaría destinada al fracaso? Pues no, al contrario...

Nina Sayers (Portman) es una bailarina de ballet perfeccionista que desea con toda su alma tener un protagónico en alguna presentación de su compañía. Cuando el director de ésta, Thomas Leroy (Cassel), anuncia que montará el famoso clásico de Tchaikovsky, El Lago de los Cisnes, Nina se perfila como la persona ideal para tomar el lugar de la veterana y próxima a retirarse Beth Macintyre (sorpresiva aparición de Winona Ryder) e interpretar el papel principal: la Reina Cisne y su hermana gemela, el Cisne Negro. La inocencia y rigidez de Nina son perfectos para el papel de la Reina Cisne, pero el rol del Cisne Negro requiere de soltura y seducción, cualidades que no son visibles en ella. Sin embargo, no significa que no las tenga. Con la influencia de su nueva y misteriosa compañera Lily (Kunis), Nina tendrá que lidiar consigo misma y con la presión de su madre (Hershey) para desatar a su Cisne Negro, lo que significa que podría haber cambios radicales en su vida.

Mucha gente argumenta que el gran defecto de la película es que no se define en género. La cinta comienza y finaliza como un drama, específicamente una tragedia, pero que de hecho tiene tantos elementos del género de horror que también va catalogada en éste. Entonces, ¿drama u horror? Los dos... y ninguno. El autor Blake Snyder en su libro Save the Cat! nos aleja de los típicos géneros y nos brinda 10 totalmente nuevos en base a lo que sucede en la historia, uno de ellos llamado The Golden Fleece (El Vellocino de Oro), algo así como el Santo Grial. Las reglas del género: el protagonista busca un tesoro pero su verdadero premio es el crecimiento personal, como sucede en Finding Nemo (Stanton, Unkrich; 2003), Star Wars, Episode IV: A New Hope (Lucas, 1977) y muchas más. En Finding Nemo, el sobreprotector protagonista quiere recuperar a su hijo cuando lo que realmente obtiene es confianza en el pequeño. En Black Swan, la retraída bailarina quiere llegar a la perfección cuando lo que realmente obtiene es desatar su "cisne negro". Mucho parecido, ¿no?

Aronofsky rompe con las fórmulas de cada género clásico y el resultado es una historia totalmente impredecible, llena de emociones fuertes y entrañables. Con una fotografía en alto contraste de Matthew Libatique, un habitual del director, se le da un aspecto tétrico, junto con una textura granulada que le da realismo. Resulta increíble como cada detalle es cuidadosamente analizado y encuadrado. Desde lo más básico, viendo a la protagonista vestir de colores muy claros mientras la "sonsacadora" Lily siempre está de negro; hasta cosas tan complejas como incluir numerosas escenas con espejos representando la constante búsqueda de Nina para encontrarse a ella misma. Por cierto, ¿alguien se dio cuenta que no se ven las cámaras frente a los espejos? Detalles, detalles, detalles... Los detalles son muy importanes.

Quizá el mayor (o único, y ni siquiera definitivo) defecto de la película es el hecho de que la banda sonora no es totalmente original, pues al ser una especie de adaptación de El Lago de los Cisnes, Clint Mansell (otro habitual de Darren) incluye gran parte de la música de Piotr I. Tchaikovsky. De cualquier forma, su adaptación y reinterpretación de la obra del autor original es brillante, llena de poder y complementa a la narrativa. Los efectos visuales le dan ese toque especial que nos refleja la locura por la que atraviesa la protagonista, incluso transmitiéndosela al público, al grado en que ya no sabemos qué es real y qué no. Todo esto va ligado a una extraordinaria labor actoral del elenco; por supuesto, resalta Portman en el papel de su vida (mucho se ha hablado sobre si Natalie hizo la mayoría de las escenas de baile o si fue su doble, pero eso no le resta mérito alguno respecto a su excelente labor). Estos detalles hacen que incluso las escenas más incómodas, específicamente la "exploración" de Nina y la experiencia lésbica con Lily sean una verdadera obra de arte.

Es cierto que no podemos hablar de un filme bueno o malo como tal, pues todos son distintos. Películas como Love Actually (Curtis, 2003) o Speed Racer (Wachowsky, 2006) pueden ser un "epic win" y otras como I Could Never be Yours (Heckerling, 2007) y Dragonball Evolution (Wong, 2009) son un "epic fail" en sus áreas respectivamente. El gran éxito de Black Swan es que trasciende en su ámbito y también en el cinematográfico en general, cualidad que cumplen sólo las más grandes obras del cine. Su manufactura está tan bien cuidada que fácilmente puede ubicarse en el tope de lo mejor del séptimo arte. En la opinión de este cinéfilo, es un párametro para medir: si la escala de lo mejor y lo peor hecho en el cine fueran películas, Black Swan sería la mayor puntuación posible.

Un cuidado minucioso que conlleva a una trama impredecible y rica con personajes sólidos y bien construídos, una estética visual impecable, un ritmo ágil, sonido repleto de poder, simbolismos y metáforas estructuradas y un sin fin más de detalles hacen que la película cautive desde el extraordinario plano-secuencia inicial hasta el final de los créditos. Desde la propia experiencia, no pude quitar la vista ni levantarme de mi asiento desde el primer segundo y hasta que los créditos finalizaron. Generalmente hago eso por gusto, pero esta vez la cinta me puso una (muy disfrutable) pesa emocional encima.

Quentin Tarantino dijo en Inglorious Basterds (2009), a través de Aldo Raine durante las últimas líneas de la cinta: "Creo que esta puede ser mi obra maestra". En Black Swan, Aronofsky (y los guionistas) hacen el mismo gesto con Nina, y yo concuerdo con ello: "Perfecta, estuve perfecta".

Una patada en... la vícera cardiaca

2011-03-31T15:05:00.000-07:00

"No Strings Attatched"
***1/2

Dirección: Ivan Reitman

Guión: Elizabeth Meriwether
Actuación: Aston Kutcher, Natalie Portman, Kevin Kline, Lake Bell
Fotografía: Rogier Stoffers
Música: John Ottman
Producción: Gary Barber, Ali Bell, Natalie Portman, Ivan Reitman, Roger Birnbaum, Lisa Bruce, Jeffrey Clifford, Jon Glickman, Jonathan Glickman, Joe Medjuck, Gerald D. Moon, Tom Pollock.
País: Estados Unidos
Año: 2011

Probablemente haya sido el hecho de estar pensando cuál sería la primera crítica que escribiría para inaugurar nuestro homenaje a Natalie Portman lo que me llevaría a encontrármela en mi sueño de anoche. Bastante raro, por cierto. Un grupo de amigos, ella y yo hacíamos bromas y ensayábamos para una película en un cine. No me pregunten por qué fue, simplemente así sucedió. El hecho es que me desperté con mi más reciente imágen de Natalie en la cabeza, en aquella película que, sin hacer mucho esfuerzo, es una llamada de atención para dos de los más comunes grupos de personas en el planeta: los que conocen primero a una potencial pareja para después declararles su amor e involucrarse sexualmente con ella y para los que lo hacen a la inversa.

Adam (Kutcher) conoció a Emma (Portman) hace muchos años, durante un campamento cuando ambos eran apenas unos adolescentes. Desde ese momento hubo cierta química. Circunstancias de la vida los llevo a separarse al terminar el campamento y a reencontrarse un par de veces después en un lapso de muchos años. Adam era novio de la bella Vanessa (Ophelia Lovibond), pero la relación termina y él queda hundido en una profunda depresión que lo orilla a consumir alcohol como si no hubiera mañana y a hablar con cada chica que tuviera en su agenda telefónica. Al día siguiente, despierta en casa de Emma rodeado de gente que no conoce. Emma le ayuda a recordar lo que sucedió aquella noche, haciéndole notar que, contrario al deseo de Adam, nada pasó entre ellos. Sin embargo, en ese momento se enciende la llama del deseo en ambos, aunque de diferente forma. Ante la propuesta de Emma para ser la "amiga sexual" de Adam, él tendrá que ocultar lo que realmente siente por ella.

Una trama sencilla, sin mucha profundidad de personaje. Simplemente construido como cualquier persona como tú o como yo. Esto no significa que sea mala, sólo es simple y fácil de entender. Lo único que no comrpendemos realmente, o más bien no es 100% evidente, es el motivo por el cual el personaje de Emma no busca tener una relación profunda con el protagonista. ¿Será acaso un trauma de la niñez? ¿Habrá sido afectada por la muerte de su padre (no es spoiler, esto se ve en una muy cómica escena en los primeros 15 minutos de película)? ¿La habrá maltratado algún antiguo amor? Hay muchas posibilidades, pero lo esencial realmente está en comprender lo que quiere cada uno: Adam quiere amor y Emma quiere sexo... ¿o no?

Debo admitir que llegué a la sala de cine únicamente sabiendo de la participación de Kutcher y de Portman. La película tiene un buen ritmo, tomas sobrias pero muy llamativas y bien realizadas, buena dirección de actores; en pocas palabras, está muy bien realizada. Cuando ví el nombre de Ivan Reitman (Ghostbusters) acreditado como director, todo cobró sentido. Reitman es un director que sabe utilizar muy bien lo que tiene, su trabajo es sencillo pero bien llevado. Es claro que sus conocimientos fueron transferidos a su hijo, Jason Reitman (Juno, Up in the Air), pero el primero trabaja más con blockbusters y el segundo con filmes independientes; además, ese es tema para otra ocasión. El trabajo de Ivan Reitman en No Strings Attatched resulta ser llamativo; no aporta nada nuevo, pero tampoco es una comedia romántica promedio. Claro que el guión está completamente formulado y uno ya sabe de antemano qué sucederá, pero tiene ciertos elementos que la hacen más entretenida que un chick flick cualquiera.

De hecho, realmente no es un chick flick. Suena contradictorio, pero me justifico. El estelar es Kutcher, pero la protagonista es Portman. Esto quiere decir que nos veremos inmersos en la vida de ambos. Si seguimos la línea de Emma, encontraremos a la mujer independiente que conoce al perfecto galán de forma cómica pero que duda si quedarse con él o no, o sea, un chick flick. En la línea de Adam, está el simpático perdedor que está enamorado de la chica más bella y la quiere para ella, es decir, no tanto un chick flick sino una comedia sexual que está dirigida hacia el hombre. Tampoco quiero implicar que el hombre es el que quiera la relación sería y la mujer sólo quiera sexo, pues también sucede a la inversa en igual propoción. El hecho es que es una película hecha para mujeres que los hombres también disfrutarán mucho. Esa es la mágia de esta película.

No Strings Attatched no es la gran obra, pero es una buena excusa para pasar un momento agradable, entre amigos o en pareja. Obviamente sabemos que Kutcher y Portman son los tractivos visuales. Ambos hacen un buen trabajo. Encontramos personajes muy simpáticos y divertidos como el padre de Adam, Alvin (Kline), Vanessa, la secretamente atractiva Lucy (Bell)... En fin, una larga lista de personajes secundarios que nos hacen ameno el viaje del principio al fin de la historia. Una historia que a veces se puede reflejar en los ojos de cada individuo. ¿Eres como Adam o como Emma? En cualquier caso, es una patada directo al... corazón. Puede que seas como él, la persona que se enamora profundamente y que siempre está en busca de su "Emma"; ¿la encontrarás tan románticamente como lo hizo Adam? También puede que seas como ella, buscando diversión sin tener compromisos con tu "Adam" como cómplice; ¿realmente es lo que quieres? Al terminar de ver la película, seguramente te cuestionarás alguno de esos dos planteamientos.

Sobria, sin innovar, pero con un una historia bien contada, esta cinta no puede faltar en la colección de Kutcher... y mucho menos en la de Portman.

2011: El año de Natalie

2011-03-23T04:04:00.000-07:00

¿Quién dijo que la belleza no combina con la inteligencia? ¿O con el talento? Hay numerosas pruebas viventes que demuestran lo contrario, pero el día de hoy (o mejor dicho, esta temporada), dedicaremos varios artículos a una de nuestras figuras del cine favoritas. Sí, nuestras. Estoy incluyéndome a mí y a usted, amigo lector, porque por alguna razón sigue leyendo estas líneas, ¿cierto? Habiendo dicho esto, y esperando no haber cambiado su opinión, exploremos un poco la vida de esta excelente actriz. Por supuesto, estoy hablando de Natalie Portman.

Nat, como también se le conoce a esta chica, nació el 9 de junio de 1981 en... ¡Jerusalén, Israel! Así es; a diferencia de lo que muchos piensan, Portman no es estadounidense de origen. De hecho, su verdadero nombre es Natalie Hershlag. Hija de un ginecólogo israelí llamado Avner y una ama de casa estadounidense de nombre Shelley (quien funge como su agente), dejó su tierra natal desde muy pequeña para asentarse en el continente americano. Comenzó en Washington DC, más tarde se mudó a Conneticut y finalmente terminó en Long Island, Nueva York.

Desde muy pequeña su vida se vio ligada al mundo artístico y de la farándula, incluyendo obras escolares y un ofrecimiento para ser modelo de la marca Revlon cuando sólo tenía 10 años. Por cierto, ella rechazó el ofrecimiento porque quería dedicarse a la actuación (lo cual agradecemos mucho). También estuvo inscrita en clases de baile durante varios años. En sus vacaciones escolares, asistía a campamentos de actuación, dando como resultado ser la suplente de la protagonista Laura Bell Bundy en la obra Ruthless! junto con otra pequeña promesa, una niñita llamada Britney Spears. Pero eso era sólo el comienzo.

A los 13 años, le llenó el ojo al director Luc Besson para dar vida a Mathilda al lado del mismísimo Jean Reno en la cinta León (1994), siendo éste su debut en el cine. Desde muy joven participó con directores reconocidos como Besson; Michael Mann en su clásico Heat (1995) al lado de Robert De Niro, Al Pacino, Val Kilmer y Jon Voight; Tim Burton, en su homenaje a las películas de ciencia ficción cincuentera Mars Attacks! (1996) con una larga lista de estrellas como Jack Nicholson, Glenn Close, Danny DeVito y hasta Tom Jones; y Woody Allen en Everyone Says I Love You (1996). También apareció en la no tan popular Beautiful Girls (Demme, 1996) con Matt Dillon y Uma Thurman, y en Where the Heart is (Williams, 1999) al lado de Ashley Judd.

La fama la alcanzaría (aún más) cuando George Lucas la eligió para interpretar el papel de Padmé Amidala en Star Wars, Episode I: The Phantom Menace (1999). La importancia de su papel: simplemente ser la futura madre de Luke Skywalker y Leia Organa en la famosa saga espacial. Es preciso mencionar que Natalie faltó a la premiere de la cinta porque tenía que estudiar para sus exámenes finales de preparatoria. Ejemplo a seguir (cof... cof...). De cualquier forma, le tocaría asistir a la premiere de los siguientes dos capítulos. Fue también parte del elenco de Cold Mountain (Minghella, 2003) y Garden State (Braff, 2004).

Hasta este momento ya había demostrado su gran capacidad histriónica, pero fue el papel de la bailarina nudista Alice en Closer (Nichols, 2004) el que le valió llevarse a casa el Globo de Oro como Mejor Actiz de Reparto el siguiente año. Hollywood y el mundo voltearon hacia Natalie de forma más seria. Continuó en el mundo de las superproducciones con V for Vendetta (McTeigue, 2006) -probándole al mundo que hasta sin cabello se ve bien-, en el cine de arte con Paris, je t'aime (2006) en el segmento de Tom Tykwer, y en el cine internacional al lado de Javier Bardem en Goya's Ghosts (Forman, 2006).

Afianzada ya como una talentosísima estrella, participó en películas muy variadas. Apareció en My Blueberry Nights (Kar-Wai, 2007) con Rachel Weiz y Norah Jones. Wes Anderson la llamó para protagnizar su cortometraje Hotel Chevalier (2007) junto a Jason Schwartzman, que dio pie para realizar Darjeeling Limited (Anderson, 2007). Encarnó a Ana Bolena, pareja del rey Enrique VIII en The Other Boleyn Girl (Chadwick, 2008). ¡Hasta tuvo el protagónico en Mr. Magorium's Wonder Emporium (Helm, 2007)! También hay que incluir una participación en Sesame Street en 2004 y en The Simpsons en 2007 como una adolescente llamada Darcy que comienza a salir con Bart pensando que tiene 16 años (SE18EP12).

La gloria la acaba de cubrir en oro este año, al ser galardonada con el Globo de Oro, el premio del SAG, el premio BAFTA, el Premio de la Academia (Oscar)... en pocas palabras, se llevó todo premio que tuviera el título "Mejor Actriz" por su brillantísima actuación en una película igual de brillante: Black Swan (Aronofsky, 2010). Tal y como su personaje Nina Sayers lo dice, Portman simplemente estuvo perfecta. La dedicación de Nina al ballet, sin incluir los tintes psicóticos, nos hacen recordar la determinación de Portman por lograr ser la mejor.

No sólo es una gran actriz, también una excelente estudiante. Ya mencionamos que faltó a la premiere de Episode I por sus exámenes de "high school". Con mucha razón, pues ingresó posteriormente a la Universidad de Harvard y estudió la carrera de psicología, concluyendo en junio de 2003. Publicó ensayos como co-autora en revistas científicas. Estudió cursos de postgrado en la Universidad Hebrea de Jerusalén. Incluso, además del inglés, habla hebreo, frances, alemán, japonés, árabe y español, o por lo menos los mastica muy bien. Además, contribuye con varias organizaciones de beneficencia. En 2008 fue jurado de la 61° edición del Festival de Cannes. Ha sido pareja de Luke Hass y de Gael García Bernal (te envidiamos, charolastra). Actualmente está comprometida con el bailarín y coreógrafo de Black Swan, Benjamin Millepied (ante el pesar de nosotros, los demás) y juntos esperan a su primer hijo.

¿Por qué hoy hablamos de Natalie Portman? Si observamos bien, veremos que este año en el país tendremos por lo menos cuatro películas donde nos deleita con su trabajo: Black Swan, No Strings Attatched (Reitman, 2011), Love and Other Impossible Pursuits (Roos, 2009) y Thor (Brannagh, 2011). Si todo sale bien, también la veremos en Your Highness (Green, 2011). Potencialmente, podríamos agregar Hesher (Susser, 2010). Por lo pronto, su nombre ha estado en innumerables revistas, periódicos y programas de televisión en estos primeros meses del año. La vimos en el escenario del Kodak Theater recibiendo su tan merecido Oscar. ¿Qué más podemos argumentar? Simplemente que la respetamos, la admiramos y que dedicamos los próximos artículos de este blog para hacer un pequeño recuento de su trabajo. Natalie, el día de hoy, ¡nosotros los mortales te saludamos!

De piratas a vaqueros

2011-03-14T22:52:00.000-07:00

"Rango"

****

Dirección: Gore Verbinski
Guión: John Logan
Actuación: Johnny Depp, Isla Fisher, Abigail Breslin, Ned Beatty.
Música: Hans Zimmer
Producción: Mark Bakshi, John B. Carls, Adam Cramer, Shari Hanson, Tim Headington, Graham King, David Shannon, Gore Verbinski
País: Estados Unidos
Año: 2011

Si uno es observador y se ha fijado en los créditos mencionados en los avances de Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides, habrá notado que el director de la película es Rob Marshall, encargado de éxitos como Chicago y Nine. No, no estoy sugiriendo que la película se vaya a convertir en un musical (creo que nadie, o por lo menos la gran mayoría, quisiera ver a Jack Sparrow recorrer el Perla Negra a ritmo de cha-cha-cha). Sin duda que el arrivo de Marshall es interesante, pero la pregunta que surge es, ¿dónde demonios quedó Gore Verbinski? Muchos lo amaron con la saga de los piratas, muchos se decepcionaron con At World's End (2008) viendo a Will Turner y a Elizabeth Swan contrayendo nupcias mientras combatían las fuerzas malvadas de Davy Jones con el capitán Barbosa como ministro, para otros cuantos basta con mencionarles The Ring (2002) para que se alejen de quien lo haga. La respuesta a la incógnita es que Verbinski terminó la trilogía y entro de lleno a trabajar en este proyecto. Y, ¿saben qué? Con mucha razón.

Un pequeño camaleón (Depp) vive solo, aislado del mundo en una pequeña "pecera", con una vida... este... eh... bueno, con una vida. Mientras era transportado como cualquier mascota de viaje con sus amos en el desierto de Mojave, un cuasi-accidente carretero deja al pequeño reptil varado en medio de la nada. Logra llegar a uno de esos típicos pueblos vaqueros, con todo y su cantina; incluso, con esa clásica llegada del extraño a la cantina mientras todo mundo lo mira despectivamente. Un pueblo en carencia... de agua. Con una falta de identidad, mas no de personalidad, toma el nombre de Rango y es nombrado Sheriff del lugar debido a sus supuestas hazañas heróicas. ¿Logrará nuestro héroe mantener a salvo al pueblo y resolver su crísis?

Es notorio como Verbinski, una vez terminadas (supuestamente) las aventuras de Jack Sparrow y compañía, se dedicó de tiempo completo a realizar esta cinta. En primer lugar, porque lo vemos fungir como director, productor, aportador a la historia, incluyó a Johnny Depp en el cast, a Hans Zimmer para la música original, incluso tiene pequeño diálogo para darle voz a un personaje secundario. Su dedicación al proyecto dio un resultado totalmente positivo. Rango es una comedia western imaginativa, divertida y visualmente espectacular. Tanto la historia como los personajes rayan en el cliché, pero no en un sentido negativo, sino en el necesario para ayudar a contar la historia. Por dar un ejemplo, está la típica pobre niña tierna que ubica al Sheriff como su gran héroe, en este caso se trata de una simpática ratita llamada Priscilla (Breslin). Si hacemos referencia a otro western, es como Mattie Ross (Hailee Steinfeld) en True Grit (Coen, 2010), pero la diferencia es que a Mattie, Ethan y Joel la convirtieron totalmente en lo opuesto.

En el elenco encontramos también nombres tan grandes como el de Fisher, quien da voz a la asustadiza lagartija Beans, Beatty como el alcalde del pueblo, Bill Nighy haciendo de una terrorífica serpiente foragida y hasta Timothy Olyphant en un papel que no revelaremos aquí, no por la importancia, sino por la sorpresiva "puntada". También aparece Harry Dean Stanton, Ray Winston y Alfred Molina, este último caracterizando a un extraño armadillo quijtesco (literalmente) que funge como una especie de espíritu guía del protagonista. Aquí es en donde encontramos probablemente el más grande tropezón en la película: el guión.

No es que sea un mal guión. Por el contrario, es inteligente al combinar las características formuladas de la comedia de situación con el western clásico. Tenemos a un personaje "perdedor" que sufre con las desgracias que le ocurren debido a su propia conducta, mezclado con el perfil del héroe solitario de pasado desconocido que llega a una comunidad para resolver los problemas. Lo malo es que las situaciones cómicas llegan a sentirse forzadas en ocasiones, en otras son algo predecibles. Hay personajes muy bien construídos, y que de alguna forma entendemos su razón de estar ahí, pero no están definidos al 100%; en concreto, no sabemos si son reales o ficticios dentro de la historia. Los diálogos no son lo más memorable que existe, pero en general es un guión bastante bien construído.

Las fortalezas de la película: lo visual y lo auditivo. Rango significa la primera película de animación para Industrial Light & Magic. Así es, la división de Lucasfilm Ltd. dedicada a los efectos especiales se adentró en el mundo de la animación con resultados sobresalientes. Un amigo me argumentaba que la iluminación en Ratatouille (Bird, Pinkava; 2007) era maravillosa. Eso no lo voy a negar. Pero el trabajo realizado en Rango, en lo personal, es mucho más sobresaliente, o por lo menos se equivalen cerradamente. El nivel de detalle es sumamente cuidadoso, se puede notar en las texturas de cualquier cosa, madera, tela, pelaje, piel. El director, siendo un hombre acostumbrado al cine con personas, traslada perfectamente ese lenguaje a la animación y lo explota para lograr un plus con encuadres extraordinarios. Un punto siempre a debatir, si el director de "live action" puede lograr un buen trabajo en animación y viceversa. Verbinski lo logró.

Y complementando el aspecto visual, Hans Zimmer nos vuelve a traer un excelente trabajo, ahora sumergido en la forma musical fiel al estilo del oeste. En esta ocasión, más que compositor, funge como productor musical. No obstante, su selección es sumamente atinada. A través de la banda sonora, nos ubica perféctamente en un área influída por Texas, California, México... incluso Louisiana. Es decir, hay música estilo Ennio Morricone, Mariachi, clásica, una especie de adaptación de Misirlou de Dick Dale, hasta una versión muy especial de la Cabalgata de las Valquirias. Añadido a ello, la siempre genial autoría de Zimmer y una inclusión especial de una pieza compuesta por Danny Elfman para la cinta The Kingdom (Berg, 2007). Ah, por cierto, Gore Verbinski también produce varias de las canciones.

Después de una larga explicación de lo que conlleva decir la palabra Rango (por cierto, ojo con el origen de esa palabra), podemos afirmar sin duda que es una película bien lograda y atractiva para pasar un buen rato de risas y deleite visual. Y hablando de deleite visual, si conocen a alguna chica parecida a Angelique (Claudia Black), favor de ponerse en contacto con este cinéfilo.

¿Eres novato en este espacio?

2011-03-14T19:02:00.000-07:00

Si es tu primera vez visitando este blog, quizá debas saber algunas cosas de cómo funciona. No es nada complicado.

El formato ha tenido que ir cambiando debido a tiempo y disponibilidad, ahora esto es lo que hacemos:

Aquí se publicarán tanto críticas de cine como temas referentes al 7mo. arte. Sobre todo, críticas... pero finalmente se trata de una tertulia en la que se pueda hablar respecto a variados temas referentes a esta maravilla de las películas.

Las críticas tienen un sistema de estrellas (*) que pueden tener valor entero o medio (1/2), tomando en cuenta que la máxima puntuación serán 5 estrellas (*****) y la mínima de 1. De este modo, la escala quedaría de la siguiente forma:

* - Pésima

** - Mala

*** - Regular

**** - Buena

***** - Excelente

Ahora sí, ¡disfruten de la lectura!

Gancho al corazón

2011-03-03T17:10:00.000-08:00

"The Fighter"

****

Dirección: David O. Russell
Guión: Scott Silver, Paul Tamasy, Eric Johnson
Actuación: Mark Wahlberg, Christian Bale, Melissa Leo, Amy Adams
Fotografía: Hoyte Van Hoytema
Música: Michael Brook
Producción: Darren Aronofsky, Dorothy Aufiero, Keith Dorrington, Ken Halsband, David Hoberman, Eric Johnson, Ryan Kavanaugh, Todd Lieberman, Paul Tamasy, Tucker Tooley, Leslie Varrelman, Mark Wahlberg, Jeff G. Taxman
País: Estados Unidos
Año: 2010

Ha sido una interesante carrera rumbo a la 83ra. entrega de los Premios de la Academia (Óscar), puesto que los competidores por la estatuilla a la Mejor Película han demostrado tener más de los elementos necesarios para llevarse el gran honor. Una de las cintas que resaltan sobre el resto, aunque módicamente, es "The Fighter". Con ella, rectificamos que a la Academia le gustan las cintas de box ("Raging Bull", "Rocky" y "One Million Dollar Baby"). ¿Por qué se dará dicha curiosidad? Platicando con un muy estimado amigo, concluímos que el boxeo, a diferencia de otros deportes o disciplinas, nos muestran protagonistas que requieren de mucha disciplina, individuales, con encuentros cara a cara (con un desafío visual, personal y cerrado entre dos personas) y que generalmente vienen de un status social medio dados los bajos costos para practicarlo, además de su objetivo final: derribar al contrincante a golpes. No denigro de ninguna forma al deporte, al contrario. Lo exalto porque su forma de ser lo hace cinematográficamente bello.

En "The Fighter", se lleva a la pantalla grande un fragmento de la vida de Micky Ward (Wahlberg), quien fuera un famoso boxeador estadounidensde en la época de los noventa. Su medio hermano, Dicky Eklund (Bale), le ayuda a entrenarse, aunque a su muy particular estilo, puesto que él también comenzó una prometedora carrera en el box en la década anterior, pero fue vencido por la adicción al crack. Micky pronto se da cuenta que su familia, más que ayudarlo, lo perjudica. Dicky frecuentemente falta a los entrenamientos por estar, como se diría en los ámbitos foraneos, "passing it around". Incluso su madre, Alice Ward (Leo), funge como su manager pero sólo le consigue peleas flojas y sin compromiso. Al conocer a la atractiva Charlene Fleming (Adams), se encuentra en un momento en que debe tomar la decisión de llevar una carrera profesional seria, aunque esto signifique romper los lazos familiares.

El título no sólo se refiere a la profesión del protagonista, sino al momento en que debe pasar durante la trama: la lucha por alcanzar la gloria, por la aceptación familiar, por sacar a sus seres queridos adelante. Por tal motivo, la historia se enfoca más en las relaciones interpersonales que en la estética visual. La dirección de Russell es bastante sobria, sin ángulos de cámara complicados o efectos visuales impactantes. Todo queda en una historia donde la verdadera fuerza recae en la dirección de actores. Afortunadamente, Russell hace un excelente trabajo en ese aspecto, dando como resultado actuaciones memorables. No por nada Amy Adams, Melissa Leo y Christian Bale fueron nominados al Óscar. Pero, ¿dónde quedó Mark Wahlberg? Aunque su trabajo es genial, el personaje no requería tanto trabajo como los demás. De hecho, podemos asegurar que el más trabajoso de todos es el que le tocó en esta ocasión a Bale.

Dicky Eklund es todo un personaje, no sólo en la película, sino en la vida real. Durante los créditos, podemos apreciar la aparición de los verdaderos Micky y Dicky. Si de por sí la actuación de Bale se convierte en todo un deleite ya para ese entonces, nos damos cuenta de su impecable trabajo viendo con que tanta fidelidad llevó su rol. Tampoco podemos descartar el trabajo de Leo. Aunque su aparición en pantalla no es tanta como la de Adams (literalmente), hace un trabajo estupendo caracterizada como una típica madre estadonudense de clase media baja. Despreocupada y gobernante, pero a la vez cariñosa y sentimental. Queda claro por qué ambas figuras se llevaron la estatuilla dorada a casa este año.

Otro aspecto sobresaliente es la recreación de las peleas. Como si uno las estuviera viendo por HBO, con repetición instantanea, vista de distintos ángulos. Bastante creíble y a modo de "documental", pero con un toque de película. Recuerdo que en un momento, Ward regresa al banquillo y Dicky le dirige unas palabras. En una transmisión común no podríamos saber qué dicen, pero a esa vista incluyámosle una buena banda sonora y la interpretación de Bale dándole ánimos a su hermano, recordándole la técnica que siempre le ha enseñado desde sus comienzos: cabeza-cuerpo-cabeza-cuerpo. Ese tipo de cosas son las que hacen a esta cinta una propuesta interesante y que vale mucho la pena ver.

El box permite realizar películas de alto impacto emocional, cuentan historias desgarradoras, de lucha constante, incluso son muy fotogénicas (o más bien "cinematogénicas"). Este deporte nos ha dado varias historias merecedoras de respeto, y "The Figher" no es la excepción.

Evocando nostalgia

2010-01-21T16:23:00.000-08:00

"Speed Racer"

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Dirección: Andy Wachowski, Larry Wachowski
Guión: Andy Wachowski, Larry Wachowski
Actuación: Emile Hirsch, John Goodman, Christina Ricci, Matthew Fox
Fotografía: David Tattersall
Música: Michael Giacchino
Producción: Andy Wachowski, Larry Wachowski, Jessica Alan, Bruce Berman, Grant Hill, Michael Lambert, Roberto Malerba, Henning Molfenter, David Lane Seltzer, Joel Silver, Charlie Woebcken
País: Estados Unidos, Australia, Alemania
Año: 2008

La invasión de los "remakes" y adaptaciones en Hollywood se ha acrecentado durante los últimos años. Es cierto que el fenómeno no es nuevo, pero resalta la comparación entre la cantidad realizada hace 10 años y la actual. Afortunadamente, la epidemia ha dado como resultado buenos productos. En muchos de ellos es evidente las ganas de los realizadores por concretar sus proyectos, pues la mayor parte de ellos se hacen por encargo. Nunca he cruzado palabra alguna personalmente con los renombrados hermanos Wachowski, pero sus producciones hablan por ellos. Speed Racer dice: "¡Moríamos por hacer esto!".

Las carreras son el centro de atención y de la economía en el mundo de Speed Racer (Hirsch), un joven proveniente de una familia que lleva aceite de motor en lugar de sangre por las venas. Su máxima aspiración es convertirse en el mejor piloto de carreras del mundo y seguir los pasos de su desaparecido hermano mayor Rex Racer (no diré el nombre del actor para no arruinar sorpresas). Speed es llamado a correr en el equipo Royalton, dándole la oportunidad de poner su nombre entre los más grandes corredores, pero poniendo en duda el verdadero significado de las competencias.

Es precisamente desde el inicio que vemos la fidelidad que los Wachowski quisieron darle a su trabajo, haciendo multiples referencias al anime. El tema original como tema principal también de la cinta, luchas de ritmos acelero-pausados con fondos de coloridos barridos, carreras extremadamente riesgosas, artes marciales, villanos con variadas personalidades, el humor y la acción sin mesura. Es verdaderamente una forma de ver, en muchos momentos, un anime convertido a la vida real.

Los efectos especiales no son realistas ni mucho menos, pero son ideales para darle un toque caricaturezco y que, precisamente, no tenga una apariencia como real. Finalmente, es un mundo irreal, que gira en torno a las carreras. Por esa misma razón, la película no requirió de detallados efectos, aunque sí es de hacer notar que prácticamente ningún escenario fue construído físicamente, ni siquiera los autos. Las actuaciones tienen la misma textura, algo caricaturezcas en general pero serias cuando requieren serlo. Aunque se sigue el necesario "star system" para atraer más audiencia, los talentos de Hirsch, Goodman en el papel de Pops Racer, Ricci como Trixie, y hasta la mismísima Susan Sarandon como la mamá Racer, son bien aprovechados respecto a las necesidades requeridas por la forma narrativa. Tal vez el único nombre que queda sobrando, porque es mucho nombre para tan pequeño papel, es el de Sarandon.

El guión permite una adaptación fiel a la serie al incluir ciertos aspectos, de situación y personajes, similares a los que nos acostumbramos ya desde hace años. Por lo mismo, encontraremos un argumento irreal y que muchos consideraran un auténtico "churrazo"... tal y como solía ser en la serie, por lo que lo considero muy bien estudiado y planeado. Así debía de ser. Numerosos momentos que más de una vez arrancarán la expresión "ay, no ma..."; el más representativo, cuando Speed cruza la meta en una carrera, el auto derrapa de lado, el muchacho salta del asiento sobre la carrocería y aterriza de pie posando para la cámara teniendo al Mach 5 inmóvil como fondo. ¡Claro, así es como comenzaba el programa!

La gran falla radica en el hecho de haber querido obtener algo tan fiel al original, pues hoy en día el público es un hueso más duro de roer que como era hace unos 30 o 40 años. Los Wachowski se adentraron a un mundo incomprendido por la mayoría. No por nada Speed Racer fue nominada a los Razzies como Peor Precuela, Adaptación, Remake o Secuela. Afortunadamente no ganó, pero el "galadrón" se lo llevó Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (Spielberg, 2008), lo cual es injusto, en lo personal, y digno de comentar en su debido momento.

La visión de Andy y Larry es congregada de excelente forma. Los paisajes (computarizados) coloridos y representativos de una especie de "futuro del pasado" (como Los Supersónicos, el retrato del futuro visto desde los años sesenta) retratados adecuadamente por David Tattersall, y la partitura retro de Michael Giacchino le imprimen ese toque tan llamativo y satisfactorio para los sentidos. Cada elemento ayuda en gran medida a la narrativa. Excepto por algunos puntos, como la escena final de Racer X (Fox), todo es necesario para contar la historia.

Después de sobrevivir a las epilépticas imagenes de luz y color desplegadas durante toda la película, sobre todo al final, puedo decir que salí de la sala de cine con una emoción tal que sólo podría compararla con aquella que tuve al ver Avatar (Cameron, 2009), Star Wars, Episode III: Revenge of the Sith (Lucas, 2005) y algunas otras más en un pasado remoto. Ese sentimiento de haber visto una película emocionante, impactante y con mucho espíritu. Cada detalla fue planeado por los Wachowski, demostrando el gran ímpetu de los directores por llevar este proyecto a la pantalla grande.

Go, Speed Racer. Go!

¿El "Star Wars" de nuestros tiempos?

2010-01-17T23:59:00.000-08:00

"Avatar"
****1/2

Dirección: James Cameron
Guión: James Cameron
Actuación: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang
Fotografía: Mauro Fiore
Música: James Horner
Producción: Brooke Breton, James Cameron, Laeta Kalogridis, Jon Landau, Josh McLaglen, Janace Tashjian, Peter M. Tobyansen, Colin Wilson
País: Estados Unidos
Año: 2009

Después de 12 años de ausencia en la pantalla grande, al menos en el género de ficción, James Cameron hace un regreso triunfal con su ostentoso y tan elaborado proyecto llamado Avatar. Confundido con la adaptación cinematográfica de la serie animada del mismo nombre, la confusión y la espectativa (tanto positiva como no tan positiva) finalmente recibieron una grata sorpresa el día de su estreno.

En el satélite natural llamado Pandora del lejano planeta Polyphemus, Jake Sully (Worthington), un marine del año 2154, es elegido para completar la misión de su hermano gemelo al ser éste asesinado. Dicha misión, encabezada por la Dra. Grace Augustine (Weaver) consiste en controlar la réplica de un cuerpo similar al de los nativos de aquel mundo, los Na'Vi, a través de conexiones neuronales. Jake, en su nuevo cuerpo (avatar), debe aprender sobre la forma de vivir de los Na'Vi. Al mismo tiempo conoce a la bella Neytiri (Saldana), quien le abrirá los ojos ante un mundo totalmente nuevo.

Un elenco joven, cuyos nombres apenas comienzan a sonar dentro del medio hollywoodense, es el que predomina en esta innovadora cinta. Sigourney Weaver, quien vuelve a trabajar con Cameron desde que ambos dieran vida a Aliens (1986), es el único nombre veterano que encontramos. Siguiendo sus pasos, vienen el nuevo terminator, Sam Worthington, y la nueva "trekkie" de origen latino, Zoe Saldana. Los tres encabezan este reparto que realiza un buen trabajo dando vida a los personajes de este imaginativo universo. Incluso resalta la versatilidad de Worthington para pasar de humano a Na'Vi (de real a digital) sin perder el toque "Jake Sully", o el excelente trabajo de Saldana para configurar su voz y su dicción de tal forma que pudiese pronunciar fluidamente el idioma nativo para interpretar a Neytiri. Michelle Rodriguez, una de las chicas rudas de Hollywood, también hace una importante aparición como la piloto Trudy Chacón. Todo lo que aparece en la historia tiene razón de ser.

Técnicamente, la película supera todas las espectativas, todos los límites y todos los obstáculos. Podemos apreciar una animación impecable, en la que cada insignificante detalle está contabilizado dentro del proceso. Me permitiré citar unas palabras del crítico estadounidense Roger Ebert al decir que, el departamento de animación y efectos visuales hizo un trabajo tan bueno que pudieron hacer que una extraterrestre azul, de razgos humano-animales, ¡siguiera viéndose sexy! Ojo, no lo tomen como una especie de fetiche o zoofilia, sino como una buena labor de parte de los animadores para transmitir, a través de su trabajo, la sensualidad de Saldana (a lo que podría llamar "zoefilia"). Con mucha razón Cameron esperó alrededor de una década, desde Titanic (1997) hasta hace un par de años, para poder realizar este proyecto.

El diseño de producción es sobresaliente. En relación al proceso de animación, la imaginación de Cameron y su impulso por el desarrollo tecnológico dio pie a la creación de un mundo inmensamente bello y místico como lo es Pandora, con criaturas basadas en el vínculo flora-fauna que pretende transmitir la película. Incluso la fusión de la tecnología con la naturaleza al haber creado esos simpáticos animales que vuelan por un sistema natural que bien nos hace recordar la máquina voladora de Leonardo da Vinci. Es inevitable no pasar por alto el hecho de que el director se tomó la libertad de contratar al experto en lenguas de la USC, Paul Frommer, para desarrollar la lengua Na'Vi y darle más consistencia al desarrollo de la cinta. Bien nos hace recordar (y con esperanza a ver un desarrollo igual) al idioma Klingon del clásico de ciencia ficción Star Trek, creado por el linguista Marc Okrand; o el élfico, creado por el autor de los libros de El Señor de los Anillos, J. R. R. Tolkien.

Quizás encontremos el mayor problema de la cinta en el guión, específicamente en el desarrollo de la historia principal. Es sabido que los guiones se han vuelto últimamente la debilidad de Cameron. En el caso de Avatar, encontramos un argumento predecible. Sabemos de antemano lo que podría sucederle al protagonista, a la chica y al antagonista. Sin embargo, lo importante es disfrutar cómo llegamos a ese punto. Disfrutar de aquella extraordinaria visión del director, retratada con una fotografía bellamente plasmada en tonos azules y verdes, en alusión a la naturaleza, en conjunto con una banda sonora extraordinaria y llena de energía. James Horner, el compositor, nos brinda una verdadera obra maestra musical; con algunos acordes que nos hacen recordar la banda sonora de Titanic, pero finalmente un concepto muy diferente y que le da a la cinta una fueza aún mayor de la que ya de por sí tenía.

Como es evidente, nunca viví aquellos gloriosos momentos en los que Star Wars, Episode IV: A New Hope (Lucas, 1977) se estrenó por primera vez (y cómo me hubiera gustado vivirlos...). Sin embargo, me llega a la mente poder comparar lo que las generaciones de ese entonces sintieron al salir de la sala y haber sido testigos de una historia de princesas, magos, caballeros y temibles villanos en versión futurista. Esa sensación de querer... ¡más! Ahora podemos ver una historia de indios y vaqueros también en versión espacial. En ambos casos, marcaron un parteaguas en la forma de hacer cine. Lucas comenzó con los grandes efectos digitales, Cameron da un paso agigantado en el desarrollo de la tecnología 3D. Ambos se convierten en un impulso, una verdadera inspiración. ¿Logrará Cameron, al igual que Lucas, marcar una nueva época?

Homenaje al estilo Taymor

2010-01-14T11:20:00.000-08:00

"Across the Universe"

***1/2

Dirección: Julie Taymor
Guión: Dick Clemens, Ian La Frenais
Actuación: Evan Rachel Wood, Jim Strugess, Joe Anderson, Dana Fuchs
Fotografía: Bruno Delbonnel
Música: Elliot Goldenthal, The Beatles
Producción: Richard Baratta, David Brown, Derek Dauchy, Matthew Gross, Ben Haber, Geoffrey Hansen, Charles Newirth, Rudd Simons, Jennifer Todd, Suzanne Todd.
País: Estados Unidos
Año: 2007

Para comenzar con el nuevo formato de este blog, nos adentraremos en esta obra de Julie Taymor. Criticada por los más conservadores fanáticos de The Beatles, elogiada por gran parte de la audiencia, Across the Universe se convierte en una interesante propuesta que demuestra que la música del Cuarteto de Liverpool sigue viva.

Jude (Strugess) es un joven inglés que llega a los Estados Unidos en busca de su padre, a quien no conoce puesto que abandona el hogar desde que Jude era muy pequeño. En su viaje, entablará una gran amistad con estudiantes universitarios como Lucy (Wood), Max (Anderson) y varios otros personajes más, todos muy distintos entre sí, pero con algo en común: la fraternidad.

Elaborar una sinópsis de la cinta puede resultar complicado, pues su más grande falla está precisamente en el guión. Una historia que comienza sólida en los primeros minutos, pero que progresivamente va perdiendo el hilo hasta el grado en que la trama principal deja de importar en gran medida.

Sin embargo, y a pesar de todo, su falta de historia la equilibra su propuesta visual, al más puro estilo de Taymor. Repleta de imágenes oníricas y surrealistas, pero a la vez con mucho sentido, la belleza de la cinta se ve reflejada en pantalla. Una extensa paleta de colores vivos, cámara agitada, cortes ágiles, simbolismos y un gran talento vocal y musical se combinan para darnos un resultado muy atractivo para la vista y oído. Ejemplificando, podemos tomar la escena de "I Want You (She's so Heavy)", en la que Max se enlista en el ejército y es enviado a luchar a Vietnam, en una especie de video musical donde carga en la espalda la Estátua de la Libertad mientras exclama "She's so heavy". ¿Se referirá al peso de la libertad? Seguramente sí.

La falta de historia y el enfoque en las imagenes "sicoldélicas" no es en vano. Taymor realiza, y me atrevo a decir, un homenaje también a las cintas que protagonizaran The Beatles en los años sesenta, como A Hard Day's Night (Lester, 1964), Help! (Lester, 1965) o Magical Mystery Tour (The Beatles & Knowles, 1967). En referencia a la última, en ambas existe una escena donde los protagonistas toman un camión amarillo que los lleva a un viaje de sicodelia pura, y en ambos casos la historia parece perder el sentido.

La famosa directora de Frida (2002) y quien llevara en 1998 a Broadway la adaptación teatral de The Lion King (Allers & Minkoff, 1994), nos ofrece una obra que no necesita del cerebro para entender cómo se desarrolla, sino para disfrutar de lo que pasa en ella. En su más puro estilo, logra una cinta con gran impacto visual y musical, carente de trama, pero disfrutable. Y en escencia se nota que Julie Taymor en verdad estaba involucrada con su proyecto. Se siente en la buena vibra.

Por cierto, hay un pequeño cameo de Salma Hayek de enfermera; y otro de Bono de U2 cantando genialmente "I Am the Walrus" durante el famoso viaje en el camión amarillo.

Preludio

2008-01-13T22:40:00.000-08:00

Continuando con nuestra sesión de cine, Axalon Films nos proporciona también vía Youtube su tercer cortometraje realizado, Preludio (2006). Aunque no participó en concursos, fue acreedor a un (pienso yo) merecido 9.7 de calificación en la clase de Lenguaje cinematográfico y, de haber existido, a un "Tona de Oro" (chiste local por si no le entendieron jejeje).

El corto está dividido en 2 partes, las cuales les proporciono en orden.

Bakhti

2008-01-13T22:35:00.000-08:00

Como primer contenido interesante, les publico aquí el segundo cortometraje que realizó Axalon Films, nuestra rama dedicada a la cinematografía, por allá en el lejano año de 2005; el cual por cierto fue acreedor a los premios Georges Mélilès (de la prepa del Kipling jajaja) por Mejor Dirección y Mejor Fotografía.

Disfruten.

Bienvenida

2008-01-13T22:31:00.000-08:00

Protocolariamente, les doy la bienvenida a este blog que he creado con entusiasmo (y una cuenta en blogger) para postear, digamos, cualquier cosa que se me ocurra jejeje. En fin, espero que el contenido sea de su agrado y que de vez en cuando haya comentarios al respecto. Saludos y gracias por su visita.